10 nghệ sĩ đã thay đổi khóa học của nghệ thuật thế kỷ 20

Thế kỷ 20 là thời kỳ của sự thay đổi và phát triển nghệ thuật nhanh chóng, nơi mà các khái niệm truyền thống được định sẵn đã bị thách thức. Vai trò của nghệ sĩ, mối quan hệ giữa đại diện và ý nghĩa và sự liên quan ngày càng tăng của hình ảnh trực quan được sản xuất hàng loạt đã được xem xét và xác định lại. Ở đây, chúng tôi liệt kê mười nhân vật chủ chốt đã cách mạng hóa nghệ thuật của thế kỷ 20.

Tư sản Louise

Tham gia vào một loạt các vòng tròn nghệ thuật trong suốt cuộc đời cô, tác phẩm của Louise Bourgeois chỉ nổi bật trong những năm cuối đời, với những tác phẩm mạnh mẽ, có sức gợi cao như Destrraction of the Father (1974), một bản cài đặt kèm theo làm từ mủ cao su và thạch cao và gợi nhớ của một tử cung, hay Maman (1999), một tác phẩm điêu khắc bằng đồng cao 9 mét của một con nhện. Các tác phẩm của tư sản mang tính cá nhân sâu sắc, rút ​​ra từ chấn thương thời thơ ấu và mô tả các chủ đề của tiềm thức, tình dục và cảm xúc bị kìm nén. Tư sản đã dịch những chủ đề này thành những biểu tượng trực quan rùng rợn, ghê gớm; những con nhện của cô, mà có lẽ cô được biết đến nhiều nhất, vừa là loài săn mồi vừa là loài bảo vệ. Các thao tác trên cơ thể của cô gợi lại những ý tưởng về tình dục và nỗi đau nữ tính. Thông qua công việc của mình, Bourgeois đã cách mạng hóa cả nghệ thuật nữ quyền và nghệ thuật sắp đặt.

Marcel Duchamp

Oeuvre của Marcel Duchamp kéo dài nhiều phong trào quan trọng của đầu thế kỷ 20, bao gồm Dada và Futurism. Tuy nhiên, ngày nay, Duchamp được nhớ đến nhiều nhất với tác phẩm gây tranh cãi mang tên Fountain (1917) - một bồn tiểu bằng sứ mà Duchamp đã thêm chữ ký giả, 'R.Mutt.' Đồng thời gây phẫn nộ và khó hiểu, Fountain là một khoảnh khắc của thế kỷ 20, loại bỏ nghĩa vụ nghệ thuật là làm hài lòng về mặt thẩm mỹ và thay vào đó là sự khiêu khích trí tuệ. Các tác phẩm của Duchamp hoàn toàn thể hiện thái độ Dadaist của ông; cùng với những người đương thời về văn học, chính trị và nghệ thuật, ông đã nổi dậy chống lại khái niệm giá trị nghệ thuật và hương vị 'tốt', và ủng hộ nghệ thuật thu hút tâm trí hơn là đôi mắt.

Frida Kahlo

Sinh năm 1907 tại Mexico City, cuộc đời huyền thoại của Frida Kahlo được đánh dấu bằng kịch, chấn thương và bi kịch. Năm 16 tuổi, cô bị tai nạn xe điện gần chết khiến cô đau đớn kinh niên và sức khỏe yếu trong suốt quãng đời còn lại. Cô ấy đã trải qua những đau khổ nghiêm trọng về tình cảm trong mối quan hệ tạm thời với họa sĩ chính trị Diego Riviera, và do tai nạn thời thơ ấu, cô ấy không bao giờ có thể mang thai đến hạn. Những khó khăn này đã tìm thấy sự thể hiện sâu sắc trong các tác phẩm sôi nổi, thường gây xáo trộn của cô, được đặc trưng bởi một khám phá táo bạo, không có cảm giác về kinh nghiệm cá nhân, bản sắc và tình dục của chính cô. Frida Kahlo được nhớ đến rộng rãi như một Siêu thực, nhưng bản thân Kahlo đã từ chối thuật ngữ đó, không thích những quan điểm sai trái được tìm thấy trong giới Siêu thực và trong các mô tả phụ nữ trung tâm của Freudian. Thay vào đó, thông qua công việc của mình, Kahlo đã tiết lộ sự phức tạp của trải nghiệm nữ giới và khẳng định tính hợp lệ của tầm nhìn độc đáo của riêng cô.

Anish Kapoor

Sinh năm 1954 tại Bombay, Ấn Độ, Anish Kapoor là một trong những nghệ sĩ đương đại có doanh thu cao nhất và các nhà điêu khắc đương đại thành công nhất thế kỷ. Công việc của ông kết hợp một loạt các thẩm mỹ đáng kinh ngạc; công trình đầu tiên của ông kết hợp ảnh hưởng của phương Đông và phương Tây, sử dụng các vật liệu tự nhiên như đá sa thạch và đá granit được nhuộm bằng các sắc tố sáng màu và được tạo hình thành các hình thức đơn giản. Sau đó, tác phẩm điêu khắc quy mô lớn của ông đã thử nghiệm hình thức trên một quy mô hoành tráng, sử dụng các bề mặt phản chiếu để bóp méo quan niệm về phối cảnh và cấu trúc. Trong khi đó, việc ông sử dụng sáp đỏ trong các tác phẩm sắp đặt là gây sốc và nội tạng, trong khi tính linh hoạt và ý tưởng câu hỏi biến đổi liên tục của hình thức và sáng tạo nghệ thuật. Gần đây nhất, Kapoor có mặt trong tin tức giành được quyền độc quyền cho sắc tố đen nhất thế giới: Vantablack.

Jeff Koons

Một trong những nhân vật gây chia rẽ nhất trong nghệ thuật đương đại, Jeff Koons tự mô tả mình là nghệ sĩ, người đang cố gắng dẫn dắt nghệ thuật vào thế kỷ 21. Koons thách thức tất cả các quan niệm định sẵn về nghệ thuật là gì, tìm cách cách mạng hóa sự khác biệt truyền thống giữa nghệ thuật 'cao cấp' và nghệ thuật thương mại, sản xuất hàng loạt. Dựa trên ý tưởng của Marcel Duchamp và Andy Warhol, Koons tránh khỏi khái niệm nghệ sĩ như một người sáng tạo ban đầu; thay vào đó, Koons nổi tiếng với các tác phẩm tái tạo kỹ thuật cao về quảng cáo và các đối tượng tầm thường. Tác phẩm của ông cũng mô tả các đối tượng được coi là 'không hấp dẫn' và đặt chúng một cách khiêu khích trong bối cảnh mà người xem buộc phải coi chúng là 'nghệ thuật'. Bị chỉ trích bởi nhiều người vì sự sụp đổ của tài năng nghệ thuật và sự trỗi dậy của kitch, Koons vẫn là một trong những nghệ sĩ có ảnh hưởng nhất, gây tranh cãi và có doanh thu cao nhất thế kỷ.

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe được ghi nhận là một trong những nhân vật hàng đầu của Chủ nghĩa hiện đại Mỹ, một phong trào đã trở nên phổ biến và được chú ý trong những năm giữa thế chiến. Hội họa hiện đại đã tìm cách đại diện cho nhiều ý nghĩa, thay vì dừng lại ở đại diện thuần túy. Các tác phẩm của O'Keeffe nổi tiếng tránh khỏi ranh giới giữa đại diện và trừu tượng; những bức tranh của cô chủ yếu mô tả thiên nhiên và phong cảnh Tây Nam nước Mỹ, nhưng theo cách tạo ra những tầng ý nghĩa mới. Những bức tranh hoa nổi tiếng của cô đại diện cho những chủ đề cổ điển này theo một cách mới, bằng cách tập trung vào cận cảnh trung tâm của hoa và cơ quan sinh sản của chúng. Bằng cách loại bỏ bối cảnh, các bức tranh của cô trở nên trừu tượng và gần như siêu thực, gợi lên những nhận thức mới về đối tượng.

Pablo Picasso

Một trong những nghệ sĩ nổi tiếng và sung mãn nhất thế kỷ 20, Pablo Picasso là công cụ tạo ra phong trào lập thể, từ đó hoàn toàn cách mạng hóa khái niệm nghệ thuật. Bức tranh của ông có tựa đề Les DemoisellesHotelvignon (1907) là một tác phẩm theo chủ nghĩa lập thể, từ chối các ý tưởng truyền thống về tỷ lệ và quan điểm ủng hộ các đường nét và hình thức tìm cách thể hiện cảm xúc và ấn tượng, thay vì thực tế. Khi phong cách của ông phát triển, Picasso đã thử nghiệm các giới hạn cực đoan của Chủ nghĩa lập thể, tạo ra các bức tranh phẳng, gần như hai chiều, trong đó đối tượng được thu nhỏ thành một loạt các hình dạng. Picasso tiếp tục vẽ cho đến khi qua đời vào năm 1973; Trải qua hơn 70 năm, oeuvre của ông phản ánh một số bối cảnh lịch sử nghệ thuật và xã hội quan trọng nhất của thế kỷ.

Jackson Pollock

Một trong những nhân vật hàng đầu của Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, tranh của Jackson Pollock bác bỏ bản chất nghệ thuật kể chuyện truyền thống và dựa trên chủ đề để ủng hộ một cuộc thám hiểm vào chính phương tiện. Các bức tranh của ông, được tạo ra bằng kỹ thuật nhỏ giọt mang tính biểu tượng của ông, nơi sơn được nhỏ giọt và ném vào khung vẽ mà không sử dụng bút vẽ hoặc công cụ, không mô tả một đối tượng hoặc câu chuyện cụ thể; thay vào đó, các tác phẩm của Pollock khám phá chính hành động vẽ tranh, trình bày một bản ghi về mối quan hệ của anh ta với bức tranh và những nỗ lực của anh ta để điều khiển nó tại một thời điểm cụ thể. Tác phẩm của Pollock tiếp tục ảnh hưởng đến một thế hệ nghệ sĩ trừu tượng, bao gồm Cy Twombly và Helen Frankenthal, bắt đầu một cuộc đối thoại quan trọng trong thế giới nghệ thuật về vai trò của đại diện và ý nghĩa trong nghệ thuật.

Cindy Sherman

Được thừa nhận rộng rãi như là người tiên phong của thẩm mỹ nhiếp ảnh vào cuối thế kỷ 20, những bức ảnh của Cindy Sherman là một khám phá bắt giữ về bản ngã và bản sắc. Sherman chọn tập trung vào nhiếp ảnh, cả trong giáo dục và công việc nghệ thuật của mình, tin rằng đó là phương tiện biểu đạt đương đại tốt nhất. Sherman đặc biệt quan tâm đến truyền thông và phương thức đại diện của nó; tác phẩm chủ chốt của cô miêu tả bản thân trong một loạt các trang phục và kịch bản, mô phỏng hình ảnh điển hình của phụ nữ được tìm thấy trên phương tiện truyền thông. Sê- ri Phim chưa có tiêu đề (1977-1980) của cô mô tả cô là biểu tượng màn hình nổi tiếng, căn chỉnh bản sắc với ngoại hình, và do đó đặt câu hỏi về sự đơn giản hóa và khách quan hóa hình dạng phụ nữ trong xã hội đương đại.

Andy Warhol

Được coi là nhân vật hàng đầu của phong trào Nghệ thuật Pop, Andy Warhol đã tạo ra một số tác phẩm mang tính biểu tượng nhất của thế kỷ 20. Các tác phẩm của ông khai thác chủ nghĩa văn hóa của những năm 1950 và 1960, bằng cách sử dụng, trong một số trường hợp, hình ảnh của sản phẩm tiêu dùng, quảng cáo và người nổi tiếng để khám phá mối quan hệ giữa nghệ thuật và hình ảnh thương mại. Warhol đặc biệt đáng chú ý khi giới thiệu kỹ thuật màn lụa cho bức tranh nghệ thuật; các bản sao gần như giống hệt nhau mà anh ta có thể tạo ra đã lặp lại bản chất được sản xuất hàng loạt của các sản phẩm tiêu dùng và truyền thông. Thay vì đưa ra những dự đoán của một số nhà phê bình rằng nghệ thuật sẽ nghẹt thở dưới văn hóa tiêu dùng mới, Warhol đã kết hợp cả hai, khám phá bản chất của cái này qua cái khác.

 

Để LạI Bình LuậN CủA BạN